[TAS] 공간을 향하여

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공간을 향하여

 

디 앱솔루트 사운드 2월호에 특집으로 게재된 내용입니다.

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아래에서 다루는 공간적 변조에 나오는 내용을 유튜브 영상으로 보시겠습니다: https://youtu.be/zwUSkLf1OVg

 

 

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출처: 디 앱솔루트 사운드

공간을 향하여

음악의 다음 개척지

로리 앤더슨 & 에드거 초우에리

삽화: 에드거 초우에리

이 에세이는 프린스턴 대학 출판부에서 2021년에 출판한 청각의 방식이라는 책에 처음 실린 것으로, 여러 작가는 자신이 좋아하는 음악에 대한 에세이를 기고해 달라는 요청을 받았습니다. 앤더슨 씨와 초우에리 교수는 대신 자신이 가장 좋아하는 주제인 공간 음악에 대해 글을 쓰기로 결정하였습니다. 프린스턴 대학 출판부의 허가를 받아 재인쇄되었습니다.

 

I

바흐의 B단조 미사, 슈츠의 수난 모테트, 루 리드의 'Pale Blue Eyes', 움 쿨툼의 아브라함의 수라 노래, 조지 브라센스의 모든 노래, 레드 제플린의 첫 앨범의 첫 두 곡... 우리가 좋아하는 음악은 지워지지 않는 기억, 오디오 플레이어만 누르면 언제나 떠올릴 수 있는 즐거운 추억입니다. 우리는 그들에 대해 이야기하고, 그 안에서 우리의 무언가를 보고, 친근한 영혼들과 공유하는 것을 좋아합니다. 우리는 기꺼이 뺨에 가볍게 키스하는 것처럼 관계를 재확인하거나 더 발전시키려는 잠재적인 희망을 품고 그렇게 합니다. 우리는 이 에세이집을 그런 키스의 연속이라고 생각하고 싶습니다.

 

하지만 모든 작곡가와 최신 과학 기술 분야 전문가 안에는 미래학자가 숨어 있고, 우리 둘 안의 미래학자는 고민하기보다 예측하기를 더 열망합니다. 그래서 우리는 우리가 사랑하는 음악에 대해 이야기하는 대신 아직 만들어지지 않은 음악을 상상하기 시작하였습니다.

 

그레이스노트 데이터베이스에 1억 3천만 개의 트랙이 있는 상황에서 순열 이론에 심취한 멜로디 혐오증에 걸린 수학자는 도발적으로 질문할 수도 있을 것입니다: 아직 만들어지지 않은 음악은 무엇인가? 우리는 음악의 비약이 멈춘 것이 아니라 새로운 공간, 더 구체적으로는 공간, 즉 3D 공간으로의 큰 도약을 앞두고 있다고 반박하고 싶습니다. 음악은 공간화가 되고 있습니다.

 

공간 음악은 소리의 공간적인 측면, 즉 주변 공간에서 음원의 느껴지는 위치, 범위, 모션(움직임)이 음정, 음색, 질감, 음량/다이나믹, 어택/지속/감쇠, 멜로디, 리듬, 형식 등 음악의 전통적인 측면 또는 요소와 어느 정도 동일한 지위를 갖는 음악입니다. 우리는 이러한 음악의 전통적인 측면을 표준이라고 부르고 이를 공간적인 측면과 대조할 것입니다.

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따라서 우리는 음악에서 공간적인 사운드의 부재에 당황했던 것처럼 자연 공간에서 끊임없이 펼쳐지는 음악에 대해 무감각해졌습니다.

 

음악 외의 소리에 대한 우리의 일상적인 경험은 공간적인 측면은 풍부하지만, 표준적인 측면은 빈약합니다. 우리는 3차원 공간에서 국지적이거나 움직이는 소리를 끊임없이 듣지만, 지나가는 버스의 엔진 소리, 공원의 나뭇잎 바스락거리는 소리, 심지어 멜로디가 있는 새소리까지 어느 날 들었던 대부분의 소리는 다음날 샤워할 때 쉽게 흥얼거릴 수 없습니다. 대부분의 음악에서는 그 반대가 사실입니다: 우리는 멜로디를 흥얼거리며 기억하고 리듬에 맞춰 몸을 흔들지만, 음악적 소리의 공간적인 위치와 범위, 그리고 공간에서의 움직임은 기껏해야 부차적인 요소에 불과하다는 것을 받아들이게 되었습니다. 따라서 우리는 음악에서 공간적인 사운드의 부재에 당황했던 것처럼 자연 공간에서 끊임없이 펼쳐지는 음악에 대해 무감각해졌습니다.

 

바이올리니스트가 하늘로 날아오르고, 가수가 귀에 속삭이고, 사방에서 심벌즈의 충돌이 가속하는 등 기술적 어려움으로 인해 작곡가의 팔레트에서 공간적인 '색'은 대부분 사라졌습니다. 마치 화가의 팔레트에서 붉은 색이 오로지 기술적 이유(예를 들어 자연이 어떠한 이유로 우리 주변의 많은 붉은 색 사물에서 붉은 색 안료를 추출하기 어렵게 만들었다면)만으로 빠진다면 우리 박물관의 모든 그림에는 붉은 색조는 없을 것이고 우리는 자연과 예술 사이의 이러한 부조화에 익숙해져 있을 것입니다.

 

자연의 풍부한 공간적인 색채와 음악 예술의 부족한 색채 사이의 부조화는 초기 안티포니 시대부터 컴퓨터 시대에 이르기까지 한 명 이상의 선구적인 작곡가들을 불안하게 하고 동기를 부여하였습니다. 이 실험가들은 열렬히 노력하고 고군분투하였습니다. 그들은 합창단을 조각조각 잘라 교회 주변에 뿌리고(팔레스트리나), 매혹적인 성가대의 울림으로 당황한 회중을 몰입시키고(스트리지오, 탈리스), 보컬로 하여금 무대 위에서 극적인 궤적을 따라 움직이도록 규정하고(몬테베르디), 오케스트라를 콘서트홀(아이브스)과 심지어 도시 전체(브란트)에 걸쳐 펼쳐진 공간적인 다성음악의 층으로 나누고, 수백 개의 스피커에서 합성된 소리로 넓은 동굴 공간을 채우고(바레즈), 터무니없게도 현악 사중주단이 헬기 4대를 타고 경기장을 돌게 하기도 하였습니다(스톡하우젠)! 이러한 시도와 실험은 공간 음악이라는 아이디어가 새로운 것이 아님을 보여줍니다. 또한 음악에서 공간을 자연을 표현하는 것만큼 자유롭고 역동적으로 표현할 수 있는 도구가 없다는 것에 대한 좌절감만큼이나 선구적인 창의성을 반영합니다. 팔레스트리나에게 소년 소프라노를 교회 본당 높은 곳에서 천사처럼 날아오르게 할 수 있는 기술과 도구가 있었다면 그렇게 할 수 있었겠습니까? 드디어 그런 도구가 등장할 수 있겠습니까?

 

실제로 '파장 합성', '고차 앰비소닉스', '가청화', '누화 제거' 등 겁을 주는 이름을 가진 최근의 오디오 기술과 기법들은 증강 현실(AR)에 대한 탐구에 힘입어 전 세계 연구실에서 막 등장하고 있습니다. 이 기술들은 음악이 오랫동안 꿈꿔왔던 공간적인 도약을 가능하게 하고, 음악 제작의 팔레트에 '빨간색'을 추가할 수 있게 해줄 것으로 기대됩니다. 이러한 맥락에서 우리 둘은 이러한 도구의 출현을 축하하고 아직 만들어지지 않은 음악을 상상하기 위해 출발하였습니다.

 

우리는 먼저 아름답고 유서 깊은 도서관에 앉아 탁상공론 이론가 놀이를 시도하였습니다. 우리는 이제는 기술적으로 가능해 보이는 멜로디나 리듬, 전통적인 오케스트레이션이 사실상 존재하지 않는 공간을 위해 표준이 완전히 억눌러진 순전히 공간적인 효과를 통해 작용하는(즉, 즐거움을 주는) 음악을 만들기 위해 필요한 것이 무엇인지 상상하는 정신적 연습을 하였습니다. 우리는 이러한 음악의 특성을 설명할 수 있는 어휘, 즉 미학적 틀이 턱없이 부족하다는 것을 금방 깨달았고, 그 법칙을 규정하는 능력도 부족하였습니다. 작곡 법칙을 공식화하는 것은 이론가들의 냉정한 작업이고, 우리 중 누구도 스스로를 진정한 이론가라고 생각하지 않았지만 새로운 어휘를 연마하는 것은 작곡가나 장난기 많은 시인의 영역에 더 가깝습니다. 위험도는 낮을 수 있지만 재미는 더 크고, 최악의 경우 우리 노래를 흥얼거리는 사람은 거의 없을 수도 있습니다. 그래서 우리는 가벼운 퀘스트를 선택했고, 부담 없는 마음으로 유서 깊은 도서관을 나와 길을 건너 은은한 조명의 레스토랑으로 걸어 들어갔습니다.

 

II

알고 보니 그 레스토랑은 이 동네에 새로 생긴 곳이었습니다. 광고도 하지 않았고 아직 대중에게 완전히 개방되지 않은 상태였기 때문에 호기심 많은 이웃들이 주저하며 조금씩 들어와 자신의 고향인 베네토 지역의 식재료와 요리 요소를 사용해 새로운 요리를 만들려는 엄격한 이탈리아 셰프의 실험을 지켜볼 수 있었습니다. 셰프 역시 새로운 어휘를 연마하기 위해 노력하고 있다는 사실을 알게 된 우리는 셰프와 그의 주방에서 마치 한 편의 시 구절처럼 숭고한 요리가 흘러나오는 것에 친근감을 느꼈습니다. 마법에 걸린 듯, 감탄하고, 자극적인 코비나 와인으로 강화된 장엄한 감각으로 우리는 공간 음악의 잠정적인 미학적 틀을 위한 요소 목록인 우리만의 요리법을 요리 하나하나에 반영하였습니다!

 

실제로 우리가 앉은 지 몇 시간 후, 일곱 번째 요리인 디저트인 달콤한 이름을 가진 콘 노치올레 에 마스카포네 올 아란시아가 나왔을 때, 우리는 일곱 가지 요소의 마지막 목록을 작성하였습니다. 전체 목록은 다음과 같습니다: 리버브, 엔벨롭먼트, 깊이감 및 근접성, 공간적 범위 및 해상도, 모션, 공간적 변조, 공간적 분리.

 

이 일곱 가지 요소는 전문적으로 들리는 이름이지만 쉽고 직관적으로 이해할 수 있으며, 적어도 꼼꼼한 학자나 부지런한 대학원생이 교정하기 전까지는 음악의 공간적인 측면에 대해 이야기하는 데 자연스러운 틀이 될 수 있다고 주장하고자 하였습니다.

 

우회적이기는 하지만 결국 이러한 기본 요소 중 하나(아래 굵은 글씨로 강조 표시)를 발견하고 정의하게 된 각 논의는 우리 중 한 사람이 다른 사람에게 한 말에서 촉발되었습니다.

리버브

(출처: 디 앱솔루트 사운드)

트로이 저축은행을 들어보신 적이 있나요?

로리는 새로운 카루소를 언급하는 것 같을 정도로 경외심을 가득 담은 목소리로 이 질문을 던졌습니다. 하지만 저축은행은 고사하고 어떻게 공간이 들릴 수 있을까요?

 

밀폐된 공간에서 누군가 박수를 치면 그 공간의 청취자는 먼저 직접적인 소리를 듣고, 몇 밀리초 후 근처 표면에서 반사된 박수 소리가 조금 더 부드럽게 다시 청취자의 귀에 도달합니다. 박수 소리의 다른 반사가 차례로 다시 반사되어 청취자의 귀에 도달합니다. 모든 방향에서 거의 무작위로 귀에 도달하여 일종의 쾌적하고 부드러우며 빠르게 감쇠하는 소음으로 융합되는 이 수많은 반사가 바로 우리가 리버브라고 부르는 것이며, 공간에 음향적 정체성을 부여하는 것입니다. 트로이 저축 은행은 우연히도 그곳에서 공연한 로리가 들어본 장소 중 가장 아름다운 리버브를 가지고 있었습니다. 하지만 무엇이 공간의 리버브를 인간에게 '아름답게' 느끼게 할까요? 에드거는 리버브가 우리에게 조상들의 동굴과 같은 보호 공간에 안전하게 갇혀 있다는 안도감을 준다고 추측하였습니다. 야외에서와 같이 리버브가 없으면 우리는 노출되어 있다고 느끼는 경향이 있습니다. 반면에 소리의 '꼬리'를 구성하는 후반 반사가 왼쪽 귀와 오른쪽 귀에 동시에 도달할 때(음향학자들은 이를 '귀 간 상관관계가 높은 리버브'라고 부릅니다), 예를 들어 스쿼시 코트나 방의 대칭적인 구석에서처럼, 우리는 동굴 구석에 갇힌 것과 같은 원초적인 공포를 무의식적으로 상기하면서 불안감을 느끼는 경향이 있습니다. 리버브가 없는 상태와 고도로 대칭적인 상태('고도의 상관관계') 사이에는 인간이 소리에 가장 매혹되는 스위트 스팟(콘서트홀 음향 전문가의 성배)이 있는 것 같습니다. 이처럼 정서적, 심미적으로 큰 영향을 미치는 리버브는 7가지 목록에서 1순위를 차지할 만합니다.

 

엔벨롭먼트

(출처: 디 앱솔루트 사운드)

바젤의 노래하는 나무

로리(고인이 된 남편은 한때 휘발유와 가죽향의 향수를 만들기도 했습니다)는 리버브는 종종 "퍼지는 향수처럼 포근한 느낌을 줘요.”라고 말하였습니다. 하지만 사운드 엔벨롭먼트에는 리버브가 필요하지 않습니다. 직접적(즉, 잔향이 없는) 사운드로도 효과적으로 감싸질 수(주: 엔벨롭먼트) 있습니다. 저녁 식사 대화에서 이 부분을 설명하기라도 하듯, 로리는 몇 년 전 바젤의 한 공원에 작은 스피커가 나뭇잎처럼 여러 개 달린 나무 여러 그루에서 매미와 같은 소리를 내도록 구상하고 시공한 적이 있습니다. 나무 사이를 걷다 보면 청취자는 휩쓸고 감싸는 소리의 패턴에 둘러싸이게 됩니다. 따라서 이 작품은 정석을 피하고 오로지 공간에만 의존하여 연상적이고 명상적인 힘을 발휘하며, 특히 엔벨롭먼트라는 단일 공간 요소에 의존하여 우리 목록에서 2위를 차지하였습니다.

근접성/깊이감

(출처: 디 앱솔루트 사운드)

"그리고 저 멀리서 메뚜기들이 노래했네"

미국 동부에서는 자연 자체가 17년마다 매우 구체적이고 독특한 일정에 따라 뒤덮은 매미-나무 콘서트 시리즈(프린스턴의 125년 된 콘서트 시리즈보다 훨씬 더 오래 지속되고 있습니다!)를 오랫동안 개최해오고 있습니다. 17년마다 봄날 저녁, 기이하고 원시적인 동시성을 지닌 마법의 매미 님프들이 수백만마리씩 땅에서 나와 나무 위로 올라가 탈피를 하고, 그 중 수컷들은 합창단을 구성하여 거의 귀가 들리지 않을 정도로 합창을 하며 몇 주 동안 짝짓기 노래를 부릅니다. 공간 음악 비평가들은 그들의 지난번 공연(2004년)이 형편없었다는 데 동의합니다. 그들은 거의 모습을 드러내지 않았습니다. 고통에 시달리는 지구에서 울려 퍼지는 애도의 선구자였을까요? 하지만 에드거는 1987년 공연을 "단풍나무 아래서 대화를 나누는 것은 불가능했다"고 애틋하게 기억합니다. 1970년, 명예 박사 학위를 받기 위해 프린스턴에 온 밥 딜런이 "Day of the Locusts(주: 메뚜기의 날)"라는 곡을 작곡하도록 영감을 주기 위하여 나소 홀을 둘러싼 웅장한 흰 재 속에서 엄청난 쇼를 벌렸습니다: "그리고 저 멀리서 메뚜기들이 노래했네/ 그렇다네, 메뚜기들은 감미로운 멜로디를 불렀다네." 영원한 음유시인 딜런은 웅장한 돔형 캐노피 위에서 "저 멀리서" 울어대는 매미 소리를 들었고, 그 소리가 감미롭게 들렸습니다. 하지만 "메뚜기의 날"에 왜소한 층층나무 아래에서 들리는 매미 소리는 성경에 나올 정도의 우글거림이었습니다. 차이점이 무엇일까요? 근접성입니다. 세 번째 공간 요소인 근접성은 메뚜기의 날 예시에서처럼 그 자체로 작용하거나 오래된 표준적 요소인 볼륨과 결합하여 촉매 역할을 하는 강력한 감성 도구입니다: 근접성 + 높은 볼륨 = 위협; 근접성 + 낮은 볼륨 = 귓속말. 이 두 가지 공식은 근접성 없이는 잘 맞지 않는데, 멀리서 높은 볼륨만으로는 위협적이지 않고, 멀리서 낮은 볼륨만으로는 속삭임을 불러일으킬 수 없기 때문입니다. 근접성은 공간적인 깊이의 고리이며, 좀 더 포괄적으로 표현하기 위해 세 번째 요소를 근접성/깊이감이라고 부르겠습니다.

공간적 범위 및 해상도

(출처: 디 앱솔루트 사운드)

바다를 사로잡은 남자

로리는 "밥 비엘레키가 찾아왔어요. 그는 1달러짜리 소형 스피커 48개를 일렬로 늘어놓은 소박한 재생 어레이를 설치하고, 같은 수의 마이크로 자신이 녹음한 48트랙을 재생하는 데 사용했어요. 어떤 음향처리도 없었고, 화려한 점도 없었죠. 녹음은 해변의 파도 소리였어요." 그녀는 잠시 말을 멈추고 속삭였습니다. "공간을 가장 놀랍게 표현한 곡이었어요. 그것은 사람을 둘러싸고 있지는 않지만 가운데와 앞쪽이 있었어요. 그것은 사람 앞에 나타났어요." 로리의 휴거가 공간적 범위 및 해상도라는 두 가지 기본 요소에 기인한다는 사실을 알아내는 데까지는 와인을 몇 모금만 마시는 시간밖에 걸리지 않았습니다. 공간적 범위는 엔벨롭먼트와는 상당히 다른 개념으로, 소리가 두 스피커 사이의 얇은 층의 공간(소위 '팬텀 이미지')에 국한되는 일반 스테레오 재생의 사운드 스테이지와 달리 소리가 홀로그램처럼 3차원의 볼륨을 차지한다는 인식입니다. 반면 해상도는 그 범위 내에서 디테일과 구조를 식별할 수 있는 능력입니다. 밥의 업적은 초보적인 기술(엄밀히 말하면 '파장 합성'이라는 방법을 가장 간단하게 구현한 것)이지만, 의문으로 남겨두는 것이 더 나을 만큼 논쟁의 여지가 있는 근본적인 무언가를 암시합니다: 음색 정확도가 분명히 부족한 값싼 스피커 배열이 공간 정확도가 부족한 고가의 음색적으로 정확한 시스템(예: 오디오 애호가용 스테레오 시스템)보다 바다의 사실감과 현장감을 더 잘 포착할 수 있다면, 이는 공간 영역이 표준 영역보다 우월하다는 것을 암시하지 않겠습니까?

모션

(출처: 디 앱솔루트 사운드)

"웅장한 부조리주의 엔터테인먼트"

1995년 초연 당시 뉴욕 타임즈 음악 평론가 알렉스 로스가 평가한 공간 음악의 가장 악명 높은 시도인 스톡하우젠의 헬리콥터 현악 사중주 역시 마찬가지였습니다. 스트라빈스키나 쇤베르크와 같은 정통 음악계의 무모한 작곡가들도 이러한 혹독한 비평적 평가를 두려워하여 완벽하게 고정된 연주자들을 위해 마칭 밴드를 위한 작곡을 기피했을 것으로 의심됩니다. 하지만 이제 새로운 도구를 통해 삼차원공간의 어느 곳에서나 소리를 패닝, 투사, 이동시킬 수 있게 되면서 모션은 한때는 찾아보기 힘들었던 "붉은 색 안료"의 또 다른 색조가 되었습니다. 공간에서 궤적을 따라 빠르게 가속하는 사운드는 템포가 빨라지는 것만큼이나 숨을 멎게 합니다. 따라서 모션은 공간에 있어 템포와 같은 역할을 합니다. 공간에서의 모션, 속도, 가속도 역시 템포에 대응하는 요소(예: 아첼레란도, 리타르단도)만큼이나 감성을 자극할 수 있지만, 공간에서의 모션은 템포가 할 수 없는 일, 즉 소리의 피치를 변조할 수 있습니다. ('변조'는 수정하다를 멋지게 표현한 말입니다.) 교과서적인 예로 도플러 효과를 들 수 있는데, 이 효과는 지나가는 기차의 기적소리를 경쾌한 투톤 글리산도로 만들어 줍니다.

공간적 변조

(출처: 디 앱솔루트 사운드)

그들은 월광 소나타를 달에서 튕겨내었다.

도플러 효과는 공간에서의 모션이 소리를 변조(음높이)하는 예이지만, 공간 자체가 음악 소리의 여러 측면을 직접 변조할 수 있습니다. 플루트는 공간(즉, 구멍이 뚫린 속이 빈 튜브 내부의 공간)이 음정을 변조하는 예이며, 이와 매우 유사한 방식으로 거실의 공간과 벽은 소리의 놀라운 정지 패턴(정재파라고 함)를 만들어 소리의 저음역 성분을 변조합니다. 그 방에서 파이프 오르간 녹음을 재생하고 그 정재파 패턴 속으로 걸어 들어가면 걷는 위치에 따라 저역 음이 마술처럼 사라지거나 귀가 먹먹해지는 것을 들을 수 있습니다. 공간적 변조는 분산, 회절, 굴절, 반사, 흡수, 공명, 피드백, 증폭, 소멸과 같은 과학적이고 시적인 이름으로 불리는 수많은 마법 같은 효과의 거의 무한한 보고입니다. 로리는 기념비적인 공간에서 미묘한 기타 피드백 실험에 대해 회상하였습니다. 에드거는 로켓 실험실에서 우연한 공명 덕분에 40마일 내륙에서 뉴저지 땅덩어리를 흔드는 바다의 소리를 포착한 민감한 측정기구에 대해 이야기하였습니다. 소리의 공간적 변조 개념은 자연에 매우 본능적인 것으로, 이를 설명하는 수학적 방정식인 '파동 방정식'은 원자의 구조를 설명하는 방정식과 본질적으로 동일합니다. 아주 최근까지도 이 풍부한 공간적 변조 효과의 핵심은 밝혀지지 않았고, 이 풍부한 공간 요소 중 단 한 가지도 베토벤의 작품에 적용될 수 없었습니다. 스코틀랜드의 예술가 케이티 패터슨은 이 문제를 해결하고 거장을 공간의 영역으로 안내하기 위해 월광 소나타를 전파로 코딩하고 달에 쏘아 분화구 주변에서 회절되어 표면에 분산된 후 다시 지구로 반사되어 피아노를 연주하는 전기 신호로 디코딩하였습니다. 로리는 그 소리를 들어보았습니다. 그녀는 "우아하게 부서진 소리"라고 묘사하였습니다.

공간적 분리

(출처: 디 앱솔루트 사운드)

아이브스는 무엇을 하고 있었나?

이론가들이 때때로 유용하다는 증거는 게슈탈트 심리학자 알버트 브레그먼의 “청각 장면 분석”이라는 임상적인 제목을 가진 고전적인 책이 있습니다. 이 책에서 우리는 공간적 분리의 지각 현상*에 대해 배우게 되는데, 이를 통하여 복잡한 청각 신호의 내용을 해석하는 청취자의 능력은 신호가 공간적으로 분리될 때 향상됩니다. 음악에 비유하자면, 공간적 분리는 복잡한 끈의 가닥에 색을 더하면 그 구조를 더 잘 인식하는 데 도움이 되는 것처럼 복잡한 멜로디와 리듬 구성을 풀어내는 데 도움이 됩니다. 다음은 음악에서 공간적 분리를 설명하는 간단한 사고 실험입니다: 바흐의 3성부 푸가를 한 대의 건반이 아닌 넓은 홀에 멀리 떨어져 있는 세 대의 피아노로 세 명의 피아니스트가 연주하도록 해 보십시오. 이제 청취자는 한 소리에만 집중하고 나머지 두 소리는 마음대로 '음소거'(브레그먼의 용어를 사용하자면 '마스크')할 수 있게 됩니다. 물론 바흐 푸가에서는 그렇게 할 필요가 없지만, 복잡한 다성 작품의 경우 공간적 분리는 무정형의 장면에 스포트라이트를 비추는 것과 같은 역할을 할 수 있습니다.

 

작곡가들이 이론가들의 공식화된 통찰을 기다릴 필요가 없다는 증거는 브레그먼의 1990년 저서보다 훨씬 이전인 찰스 아이브스가 교향악단의 하위 그룹을 공간적으로 분리하여 자신의 복잡한 대위법을 더 잘 드러낼 때 공간적 분리에 정확히 의존했다는 사실입니다. 억압받는 자를 해방하는 데에는 시적 정의가 있습니다. 일단 해방된 공간은 역사적 억압자인 표준을 대체하는 것이 아니라 오히려 그것을 강화하는 자비로운 역할을 합니다.

 

그래서 우리는 공간에 대한 작은 용어집에 공간적 분리를 추가하였습니다.

 

III

코르비나 포도가 모든 정신을 다 쏟아내고 밀포글리가 마지막 잎까지 시들고 부엌이 어둡고 조용해졌을 때, 우리는 7가지 요소 목록을 들고 활기찬 맨해튼의 밤으로 나섰습니다.

 

갑자기 우리 둘은 누군가가 어떻게서인가 이 목록을 우리보다 더 빨리 만들었을것이라는 의혹에 휩싸였습니다. 왜냐하면 우리가 거리에 도착했을 때 우리는 엔벨롭먼트, 깊이감, 근접성, 범위, 해상도, 변조, 모션, 심지어 도플러 효과까지 포함하는 일종의 공간 소나타에 빠져들었기 때문입니다: 길을 지나던 택시 기사가 속도를 내며 우리 옆을 지나가는 데 마치 놀란 여행자를 스쳐 지나가는 나이팅게일처럼 자신이 좋아하는 우르두 음악 소리를 흩뿌리며 들려주었습니다.

 

*브레그먼은 이를 '공간 마스킹'이라고 부르지만, 공간 음악의 맥락에서 이 용어는 다소 불분명합니다.

 

로리 앤더슨은 세계적으로 유명한 작곡가이자 전위 예술가, 음악가, 작가, 발명가, 영화 감독입니다. 그녀는 음악 작곡, 공연, 녹음에 기술을 활용하는 선구자이며 수십 년 동안 음악의 공간적인 측면을 탐구해 왔습니다. 그녀는 전 세계에서 라이브 콘서트를 계속하고 있습니다. 2021년에는 하버드 대학교의 찰스 엘리엇 노턴 시학과 교수로 임명되었으며, 뉴욕 타임즈에서 "미국의 주요하고 혼란스러운 현대 예술가 중 한 명"으로 묘사되었습니다.

에드거 초우에리 박사는 프린스턴 대학교 응용물리학 교수이자 프린스턴의 전기 추진 및 플라즈마 역학 연구소(우주선 추진 연구)와 3D 오디오 및 응용 음향 연구소(공간 오디오 연구)의 소장을 맡고 있습니다. 250편 이상의 과학 논문을 저술했으며 기사 작위를 비롯한 수많은 상을 수상하였습니다. 또한 하이엔드 오디오 회사이자 공간 음악 재생을 위해 호평을 받은(TAS 2022 올해의 제품, 2023 골든 이어 어워드) BACCH-SP 스테레오 퓨리파이어를 제조하는 Theoretica Applied Physics의 설립자이자 사장입니다.