DS Audio DS-E3 Optical Phono Pickup and DS-E3 Equalizer

DS Audio DS-E3 Optical Phono Pickup and DS-E3 Equalizer

 

trackingangle.com October 11th, 2024

By: Paul Seydor

Tracking Angle

 

 

DS Audio's new entry level optical cartridge is state of the art in some key areas.

DS Audio의 새로운 엔트리 레벨 광카트리지는

몇 가지 중요한 영역에서 state of the art 수준의 기술을 보여줍니다. 

 

Until recently I’ve had no personal experience with DS Audio’s cutting-edge optical phono pickups, whereby the signal is generated from a pair of infra-red LEDs that shine onto photo detectors, completely dispensing with magnets and coils, moving or stationary. In their place, between the LEDs and the detectors, is a very lightweight shade, plate, or, to use DS’s parlance, “shading plate” attached to the cantilever; this shade modulates the amount of light from the LEDs it allows to reach the sensors as the stylus tracks the grooves. Despite the use of LEDs and photo sensors, it can readily be seen that DS pickups, like all other phono cartridges, still track the groove with a stylus attached to a cantilever in a system that is wholly analog. This is a very simplified description of some highly sophisticated technology. For a deeper dive, I refer you to the DS Audio website, which contains a detailed description refreshingly free from puffery and hype, including a nice graphic video that really is worth more than a thousand words: https://ds-audio-w.biz/info_optical_cartridge/.

About Optical cartridge - DS Audio｜Creating the future of analog music

 

최근까지 저는 DS Audio의 최첨단 광식 포노 픽업에 대한 개인적인 경험이 없었습니다. 이 기술은 신호가 자외선 LED 쌍에서 생성되며, 이 LED가 포토 디텍터에 비추어 자석과 코일, 움직이는 부품이나 고정된 부품을 완전히 생략합니다. 대신, LED와 디텍터 사이에는 매우 가벼운 차광판, 즉 DS 용어로는 ‘차광판’이라고 불리는 판이 캐니레버에 부착되어 있습니다. 이 차광판은 스타일러스가 홈을 따라 이동할 때 센서에 도달하는 LED의 빛의 양을 조절합니다. LED와 포토 센서를 사용함에도 불구하고, DS 픽업은 여전히 다른 포노 카트리지와 마찬가지로 아날로그 방식으로 캐니레버에 연결된 스타일러스로 홈을 추적하는 시스템입니다. 이는 매우 복잡한 기술을 단순하게 설명한 것이며, 더 깊이 알고 싶다면 DS Audio 웹사이트를 참조하세요. 이 웹사이트에는 과장이나 홍보 없이 상세한 설명이 제공되며, 천 마디 말보다 나은 멋진 그래픽 비디오도 포함되어 있습니다: https://ds-audio-w.biz/info_optical_cartridge/.

 

 

Exploded view of LED, shading plate, cantilever, and photo detector

 

I’ve been reading nothing but choruses of raves for DS pickups—extravagant even by the standards of the typically excitable audiophile press—since they first appeared in 2014 (my review of the original was among, if not the only negative one, wherein DS had not yet effectively dealt with the equalizer frequency response issue_ed.), so when Garth Leerer of Musical Surroundings, DS’s importer, asked me if I’d like to review the new entry level model, the E3, he didn’t have to ask twice. I shall anticipate my conclusions by saying right off that in some key areas of vinyl replay the E3 is superior to every other pickup with which I’ve had any sort of long experience regardless of type, technology, or price in over a half a century of pursing high-end audio. I’ll come to those anon. But first some practical matters.

 

DS 픽업에 대한 극찬만을 접해왔습니다. 오디오파일 관련 매체들이 보통 흥분된 어조로 리뷰를 쓰는 경향이 있음에도, DS 픽업에 대한 칭찬은 2014년 첫 출시 이후로 특히 과장된 느낌이 있습니다. (제가 원래 모델에 대해 썼던 리뷰는, 유일하지는 않더라도 부정적인 리뷰 중 하나였습니다. 그 당시 DS는 이퀄라이저 주파수 응답 문제를 아직 제대로 해결하지 못했었죠.) 그래서 DS의 수입사인 Musical Surroundings의 Garth Leerer가 새로운 엔트리 레벨 모델인 E3에 대한 리뷰를 써줄 수 있겠냐고 물었을 때, 두 번 물을 필요도 없었습니다. 결론을 미리 말하자면, E3는 바이닐 재생의 몇 가지 중요한 영역에서 제가 지난 50여 년간 경험해본 다른 모든 픽업, 그 기술이나 가격에 상관없이, 우월하다는 점을 확실히 하고 싶습니다. 그 부분에 대해서는 곧 다루겠지만, 먼저 몇 가지 실용적인 사항들을 언급하겠습니다.

 

Nuts, Bolts, Equalizers, and Setup

The principal difference between DS Audio’s pickups and conventional ones is that owing to the way the signal is generated, it is driven by amplitude rather than velocity. Again, this is a simplified way of stating a complicated matter (conventional pickups are both velocity and amplitude driven). But in practical terms, it means that DS pickups cannot be used, indeed will not work with the RIAA equalization in all phono stages, nor do they need the step-up devices of low-output moving coils. Instead, every DS Audio pickup requires an outboard device the company calls an equalizer, which supplies a line-level signal that is plugged into a high-level input on a preamplifier or integrated amplifier. The output of the pickup itself is amazingly robust, easily surpassing moving magnets and high-output moving coils.

 

DS Audio의 픽업과 일반적인 픽업의 주요 차이점은 신호 생성 방식에 있는데, DS 픽업은 속도보다는 진폭에 의해 구동된다는 점입니다. 다시 말해, 이것은 복잡한 문제를 단순화한 설명입니다 (일반적인 픽업은 속도와 진폭 모두에 의해 구동됩니다). 하지만 실질적인 차원에서 보면, DS 픽업은 모든 포노 스테이지에서 RIAA 이퀄라이제이션과 함께 사용할 수 없으며, 실제로는 작동하지 않습니다. 또한, 낮은 출력의 무빙 코일 픽업에 필요한 승압 장치도 필요하지 않습니다. 대신, 모든 DS Audio 픽업은 '이퀄라이저'라는 외부 장치를 필요로 하며, 이 장치는 프리앰프나 인티그레이티드 앰프의 고출력 입력에 연결되는 라인 레벨 신호를 제공합니다. 픽업 자체의 출력은 매우 강력하며, 무빙 마그넷과 고출력 무빙 코일을 쉽게 능가합니다.

E3 Phono Equalizer fore and aft

 

Otherwise, just like all phono pickups, DS’s demand the same care with overhang, offset, azimuth, tracking weight, anti-skating, and height adjustment. The E3 benefits from a good bit of trickle-down improvement from the upper models, including its third-generation mechanism, higher output owing to independent LEDs and photo diodes for each channel, and beryllium for the shading plates, which are far, far lower in mass than any magnet or coil. The cantilever is tapered aluminum, the stylus “solid elliptical” (DS do not state the material). The more expensive models use more exotic, thus pricier materials and geometries. As for the E3 equalizer, the circuit is now symmetrical and an operational amplifier replaces the discrete parts of the more expensive models. Cosmetically, the rather generic chassis of the E1 equalizer gives way to the E3’s larger, more stylish one with its extruded fascia. The pickup itself sports a nifty green light that while unnecessary for operation is there to let you know the pickup is in fact receiving the voltage without which there would be no sound (if the equalizer is turned on and no light illuminates on the cartridge, something is amiss somewhere).

On the rear of the chassis are one pair each of inputs and outputs. The latter has a two-position switch: position 1, called single cut-off, reducing the output below 30Hz by 6dB per octave; position two, called double cut-off, reducing the output below 50Hz by 6dB per octave and below 30Hz by 6dB per octave. Because the system does not require the extreme RIAA compensation in the low bass, all other things being equal, position 1 is the default. If the bass proves too ample with that setting—DS say that with some large ported-loudspeakers this can happen—position 2 is encouraged. The sonic differences between the two are audible enough that I wish DS had put this switch on the front panel.

At the recommended 2.1-gram downward weight, tracking is excellent. Not quite in Shure V15 league or maybe some of the better Ortofons, but nothing to fret about either. Arm compatibility is excellent as well. I used the E3 in three different tonearms: SME’s M2-12R, Ortofon’s new AS212-R, and the SAEC arm that comes with Luxman’s PD-191A turntable. It performed outstandingly in all of them. From both my (limited) experience and what I’ve been to gather, one of the nice things about DS pickups is that they are not terribly arm sensitive so long as the arms are of at least medium mass. To be sure, like any fine pickup, a better arm will get more out of them, but in this case arm compatibility is more important. Of my three arms, I liked it best in the SME M2-12R, because its high mass (effective mass 28 grams), very well damped, and extremely low in any sort of friction (another reason may be that it’s a 12-inch arm). 

DS Audio sent along their own HS-001 head shell, which uses the standard SME-type bayonet connector. At $450 this is may seem rather pricey, but that’s relative. Several manufacturers now offer after-market headshells, at least one approaching the thousand-dollar mark. Although I’ve never used that one, I have tried a number at prices comparable to DS’s and can report that it is far more beautifully made, machined from Duraluminum with hand-soldered Litz signal leads and weighing in at 10.5 grams. Unlike many headshells, it has aligning pins on both the top and bottom of the bayonet, which helps fix it more securely at the connection (though it is not the only headshell with this feature). Comparing headshells is not my idea of a good time, being rather fraught with uncertainty owing to the time it takes to unmount the pickup in one arm and remount it in another, not to mention all the other variables, such as mass, materials, wiring. Something else the HS-001 eliminates is the thin rubber washer at the connection end, this presumably for a more rigid coupling. I’ve tried this on other headshells that have this washer, which is most of them, and the results are inconclusive at best. Sometimes there’s an improvement and sometimes there isn’t. DS feel comfortable eliminating it because, I assume, they feel the HS-001 is so well damped, so low in resonance, and so tightly connected that rigidity brings no penalty in obtrusive resonance or the lack of what damping the washer may provide. Here’s what I can say with some confidence: the HS-001 is better than the stock head shell that comes with the SME arm, at least with the E3 and my reference moving coils, which also sound fractionally cleaner and more controlled. (But this must be decided on a pickup-by- pickup basis: depending on everything from the high-frequency resonances endemic to all moving coils, the materials used in the pickup body, cantilever, wire, not to mention the arm bearings, materials, damping, armboard—well, you get the idea. (For what my experience may be worth, when in doubt I keep it in place inasmuch as some damping is rarely a bad thing.)

 

DS Audio의 픽업은 다른 포노 픽업들과 마찬가지로 오버행, 오프셋, 아지무스, 트래킹 무게, 안티스케이팅, 높이 조정 등에 신경을 써야 합니다. E3는 상위 모델에서 내려온 여러 개선 사항을 적용받았으며, 세 번째 세대의 메커니즘, 각 채널에 독립적인 LED와 포토 다이오드를 사용한 더 높은 출력, 그리고 매우 가벼운 베릴륨 차광판을 특징으로 합니다. 이 차광판은 어떤 자석이나 코일보다 훨씬 가볍습니다. 캐니레버는 테이퍼드 알루미늄으로 만들어졌고, 스타일러스는 "솔리드 엘립티컬"입니다 (DS는 재료를 명시하지 않았습니다). 더 비싼 모델들은 더 특이하고 값비싼 재료와 기하학적 구조를 사용합니다.

 

E3 이퀄라이저의 경우, 회로가 대칭적이며 더 비싼 모델들에서 사용된 개별 부품 대신 연산 증폭기를 사용합니다. 외관적으로, E1 이퀄라이저의 일반적인 섀시는 E3에서 더 크고 세련된 압출형 전면 패널로 대체되었습니다. 픽업 자체에는 멋진 녹색 불빛이 있는데, 작동에는 필요하지 않지만 픽업이 제대로 전압을 받고 있는지를 알려줍니다. 만약 이퀄라이저가 켜져 있는데 카트리지에 불이 들어오지 않으면 어딘가에 문제가 있다는 신호입니다.

 

섀시 뒷면에는 각각 하나의 입력과 출력이 있습니다. 출력에는 두 가지 위치를 선택할 수 있는 스위치가 있습니다. 첫 번째 위치인 '싱글 컷오프'는 30Hz 이하 출력을 옥타브당 6dB 감소시키고, 두 번째 위치인 '더블 컷오프'는 50Hz 이하 출력을 옥타브당 6dB, 30Hz 이하 출력을 옥타브당 6dB 감소시킵니다. 시스템은 저역에서 극단적인 RIAA 보정이 필요하지 않기 때문에, 기본 설정은 첫 번째 위치입니다. 그러나 설정이 너무 많은 저음을 제공한다면, 특히 대형 포트형 스피커를 사용할 때는 두 번째 위치를 사용하는 것이 권장됩니다. 두 설정 간의 음향 차이는 명확하게 들리기 때문에, DS가 이 스위치를 전면 패널에 배치했으면 좋겠다는 생각이 듭니다.

 

권장된 2.1g의 하중에서 트래킹 성능은 훌륭합니다. Shure V15에는 미치지 못할 수도 있고, 일부 고급 Ortofon과도 비교되지만, 충분히 만족스러운 성능입니다. 톤암과의 호환성도 우수합니다. 저는 SME의 M2-12R, Ortofon의 신형 AS212-R, 그리고 Luxman의 PD-191A 턴테이블에 기본으로 장착된 SAEC 톤암에 E3를 사용해 보았습니다. 모든 톤암에서 매우 뛰어난 성능을 보여주었습니다. 제 (제한적인) 경험과 다른 이들의 의견에 따르면, DS 픽업의 장점 중 하나는 중간 정도의 무게만 있다면 톤암과의 민감도가 크게 영향을 받지 않는다는 점입니다. 물론, 더 좋은 톤암을 사용하면 더 나은 성능을 발휘하겠지만, 이 경우 톤암과의 호환성이 더 중요한 요소였습니다. 제가 사용한 세 톤암 중에서는 SME M2-12R에서 가장 좋았습니다. 이 톤암은 높은 질량(유효 질량 28g)과 매우 잘 댐핑되었고, 마찰이 거의 없었기 때문입니다 (또한 12인치 암이라는 점도 이유 중 하나일 수 있습니다).

 

DS Audio는 그들의 HS-001 헤드셸도 함께 보냈습니다. 이 헤드셸은 표준 SME형 베이오넷 커넥터를 사용하며, 가격이 450달러로 다소 비싸게 느껴질 수 있지만, 상대적인 평가입니다. 몇몇 제조사들은 현재 천 달러에 가까운 애프터마켓 헤드셸을 제공하고 있습니다. 저는 그 천 달러짜리 제품을 사용해본 적은 없지만, DS의 제품과 비슷한 가격대의 다른 헤드셸들을 사용해본 결과, HS-001은 더 아름답게 만들어졌고, 두랄루민으로 가공되었으며, 리츠 신호선을 수작업으로 납땜하여 10.5g의 무게를 지니고 있었습니다. 많은 헤드셸과 달리, 이 제품은 베이오넷의 상단과 하단에 정렬 핀을 가지고 있어 연결을 더 견고하게 고정해 줍니다 (이 기능을 가진 유일한 헤드셸은 아닙니다).

 

 

HS-001 headshell: note the bottom pin in addition to the top one and the absence of the rubber washer at the connection end.

 

A few years ago DS Audio made the decision to allow other manufacturers to make phono equalizers for DS’s pickups. As of now, there are six companies who make optical-cartridge compatible equalizers: Soulnote, EMM Labs, Uesugi Labs, Meitner audio, Soulution, and Westminsterlab. According to DS, their “main goal” in allowing this “is to make the optical cartridge, which is currently a ‘unique’ cartridge, a ‘popular’ cartridge along with MM/MC cartridges as a third cartridge.” It makes a lot of sense, notably when you factor in the typical audiophile prejudice in favor of specialization. Many audiophiles feel that transducer designers are incapable of designing electronics as good as electronics designers. This is a way to attract audiophiles who want more flexibility of choice. I’ve not heard any of these competing products.

 

몇 년 전, DS Audio는 자사의 픽업용 포노 이퀄라이저를 다른 제조사들이 만들 수 있도록 허용하는 결정을 내렸습니다. 현재, Soulnote, EMM Labs, Uesugi Labs, Meitner Audio, Soulution, Westminsterlab 등 여섯 개 회사가 광 카트리지와 호환되는 이퀄라이저를 제작하고 있습니다. DS Audio에 따르면, 이 결정을 내린 "주요 목표"는 "현재 '독특한' 카트리지인 광 카트리지를 MM/MC 카트리지와 함께 '대중적인' 카트리지로 만드는 것"이라고 합니다. 이는 전문성을 선호하는 오디오파일들의 일반적인 성향을 고려할 때 매우 합리적인 판단입니다. 많은 오디오파일은 트랜스듀서 설계자가 전자기기를 설계할 때, 전자기기 설계자만큼 뛰어나지 않다고 생각하는 경향이 있습니다. 이 결정은 오디오파일들에게 더 다양한 선택의 유연성을 제공하기 위한 방법인 셈입니다. 저는 아직 이 경쟁 제품들을 들어본 적은 없습니다.

 

 The Sound

There are at least four areas of vinyl playback in which the DS Audio E3 performed better than other phono pickups in my experience: transparency, including the related areas of clarity and resolution; transient response; dynamic range, including the related areas of lower noise and perceived distortion; and imaging and soundstaging.

I started where I often start when I evaluate equipment, something simple, direct, pure, and beautiful, in this case Jacintha’s cover of “Sweet Baby James” from her collection of James Taylor songs for Groove Note (45rpm). This is a supremely transparent recording to begin with, but with the E3 her voice is reproduced with an immediacy, presence, and purity that are rather startling. The way first the guitar, then the violin steal in gently, sweetly at the end of her solo is exquisitely delicate and lovely.

Writing about transparency for us reviewers is not easy because what we’re trying to describe are things that are lacking, missing, absent, or otherwise not there, things like veiling or the subtler forms of haze, grain, distortion, and noise. This means the process is necessarily comparative—even equipment from the lower end of the audiophile marketplace has reached a sufficiently advanced state of transparency that we often don’t notice the subtler forms of veiling until they’re gone. Of course, when these are inherent in the recording, they can’t be reduced away, but the better transparency of the E3 is readily audible, even when it’s not by much and even with non-audiophile recordings.

Take the Sinatra/Billy May Come Swing with Me (Capitol)—there’s Sinatra front and center, again with reach-out-and-touch him immediacy, while May’s antiphonal brass—this 1961 recording was made when stereo was still relatively young, his arrangements designed to exploit the right/left extremes of the new medium—leap out of the speakers with remarkable brilliance and presence. Fischer-Dieskau’s mid-fifties EMI recording of Winterreise, with Gerald Moore on piano, is recorded differently from the Sinatra. To start with, it’s mono, and there is no attempt to be audiophile impressive, singer and pianist set discreetly back a bit so you have more space them and you. The effect is less immediate in terms of presence but more realistic as regards an approximation of what you’d hear in a good recital hall, and certainly no less transparent. This great singer's nuances of phrase, subtleties of inflection, sureness of intonation, intelligence of conception, depth of feeling and emotion are superbly conveyed with wonderful sense of involvement.

Clarity and resolution are functions of transparency. For the sake of discussion, clarity to me refers to the ability of a sound system to reproduce musical ensembles and textures of whatever simplicity, complexity, thickness, density, or number such that the individual instruments and voices are audible if they’re supposed to be or blended if that is the desired effect. If a component is too analytical, then the presentation can feel picked apart and not fully coherent. Richard Strauss once said that he never intended all the notes in his music to be heard; sometimes they were there merely to contribute to an overall effect of richness and saturation. Few conductors understood this more than Herbert von Karajan, of which there are few better examples than his early-seventies recording of Death and Transfiguration and Four Last Songs (with Gundula Janowicz), recently reissued as part of DG’s Original Source Series LPs. While this is not a state-of-the-art recording, Karajan’s signature goals of smoothness, blend, and gleaming sonority are in abundant evidence. But go to George Szell’s equally fine performance with the Cleveland Orchestra (vintage Columbia) and you find a conductor who wants everything to be heard. Both recordings, interestingly, are somewhat light in the bass, an anomaly for which the E3 compensates (more later on this), but the Karajan has more bloom, the Szell is drier (as was his wont—many of Szell’s recordings are light in the bass and dry).

Unlike Strauss, Stravinsky typically wanted everything to be heard and articulated. I pulled out Bernstein’s late seventies DG analog recording of Stravinsky’s Les Noces (the greatest piece of music Carl Orff never wrote, said one wag), a cantata depicting a Russian peasant wedding for four soloists, a chamber choir, four pianos, and percussion (timpani, bass drum, snare drums, antique cymbals, chimes, cymbals, tambourine, triangle, and xylophone), 4 pianos, mixed chorus, and soloists. This is a spectacular recording in every respect, notably in dynamic range but also in the registration of the instruments, particularly the pianos and the percussion. With four pianos furiously playing patterns of rhythms, while soloists and chorus are virtually declaiming the text as percussion slashes, bangs, pounds away, this is a difficult piece to record. But DG’s engineers really delivered the goods to thrilling effect with plenty of detail (bass drum really impressive) that never detracts from the gestalt, and the E3’s presentation is sensational. It’s also impressively controlled: when the big, sharp percussive hits come they don’t momentarily obliterate everything around, under, or above them.

 

DS 오디오 E3는 제 경험상 다음과 같은 네 가지 영역에서 다른 포노 픽업보다 뛰어난 성능을 발휘했습니다: 투명도(투명도와 관련된 명료성 및 해상도 포함), 순간 응답, 다이내믹 레인지(저소음 및 인식된 왜곡 관련 포함), 그리고 이미징과 사운드스테이징입니다.

 

저는 장비를 평가할 때 자주 시작하는 지점에서 시작했습니다. 간단하고 직접적이며 순수하고 아름다운 음악, 이번에는 자킨타의 "Sweet Baby James" 커버(그루브 노트를 위한 제임스 테일러 노래 모음집, 45rpm)입니다. 이 녹음은 원래 매우 투명하지만, E3를 통해 그녀의 목소리는 놀랍도록 즉각적이고 존재감 있으며 순수하게 재현됩니다. 그녀의 솔로 끝에서 기타가, 그 다음에 바이올린이 부드럽고 달콤하게 살며시 들어오는 방식은 매우 섬세하고 아름답습니다.

 

우리 리뷰어들이 투명성에 대해 글을 쓰는 것은 쉽지 않습니다. 왜냐하면 우리가 설명하려고 하는 것은 결여되거나, 빠져 있거나, 없거나, 또는 다른 어떤 방식으로도 존재하지 않는 것들, 즉 베일링이나 더 미세한 형태의 흐림, 잡음, 왜곡, 노이즈 같은 것들이기 때문입니다. 이는 과정이 필연적으로 비교적이라는 것을 의미합니다. 심지어 오디오파일 시장의 하위 장비조차도 충분히 발전된 투명도를 갖추게 되어 우리는 종종 더 미세한 형태의 베일링이 사라지기 전까지는 이를 인지하지 못합니다. 물론, 이러한 것들이 녹음에 내재되어 있을 때는 없앨 수 없지만, E3의 더 나은 투명성은 미세한 차이에도 불구하고 비오디오파일 녹음에서도 쉽게 들을 수 있습니다.

 

예를 들어, 프랭크 시나트라와 빌리 메이의 "Come Swing with Me"(캐피톨)에서는 시나트라가 중앙에 위치해 있으며, 그를 손으로 만질 수 있을 것 같은 즉각적인 존재감이 느껴집니다. 한편, 메이의 안티폰 브라스는 1961년에 녹음되었는데, 이때 스테레오는 상대적으로 젊었고 그의 편곡은 새로운 매체의 좌우 극단을 활용하도록 설계되었습니다. 메이의 브라스는 스피커에서 놀라운 brilliance와 존재감으로 튀어나옵니다.

 

피셔-디스카우의 1950년대 중반 EMI 녹음인 Winterreise는 시나트라의 녹음과 다르게 기록되었습니다. 처음부터 이것은 모노 녹음이며, 오디오파일 인상은 시도하지 않았고, 가수와 피아니스트는 약간 뒤로 물러나 있어 그들과 청중 간에 더 많은 공간이 있습니다. 이 효과는 존재감에서는 덜 즉각적이지만, 좋은 리사이틀 홀에서 들을 수 있는 것에 대한 더 현실적인 근사치를 제공합니다. 또한 이 훌륭한 가수의 구절의 뉘앙스, 억양의 미세한 차이, 음의 확실성, 개념의 지능, 감정의 깊이 등이 훌륭하게 전달되며 강한 몰입감을 느낍니다.

 

명료성과 해상도는 투명성의 기능입니다. 논의를 위해, 저에게 명료성이란 사운드 시스템이 음악 앙상블과 텍스처를 어떤 단순성, 복잡성, 두께, 밀도, 또는 수량으로 재생할 수 있는 능력을 의미합니다. 즉, 각 개별 악기와 목소리가 들리거나(그럴 경우) 원하는 효과에 따라 혼합될 수 있어야 합니다. 만약 컴포넌트가 지나치게 분석적이라면, 발표가 잘게 쪼개져서 완전히 일관성이 없는 느낌을 줄 수 있습니다. 리차드 스트라우스는 자신의 음악에서 모든 음이 들려지기를 의도하지 않았다고 말했습니다. 때때로 음들은 전반적인 풍부함과 포화의 효과에 기여하기 위해 존재했을 뿐입니다. 헤르베르트 폰 카라얀보다 이를 더 잘 이해한 지휘자는 드물며, 그의 초기 70년대 녹음인 Death and Transfiguration와 Four Last Songs(군둘라 야노비치와 함께)는 DG의 오리지널 소스 시리즈 LP로 최근 재발매되었습니다. 이 녹음은 최신 녹음은 아니지만, 카라얀의 부드러움, 혼합, 그리고 빛나는 음색에 대한 목표는 풍부하게 드러납니다. 그러나 클리블랜드 오케스트라와 함께한 조지 제셀이의 동등하게 훌륭한 연주를 들어보면, 모든 것을 듣고자 하는 지휘자를 만나게 됩니다. 두 녹음 모두 흥미롭게도 베이스가 다소 가볍고, 이는 E3가 보완합니다(추후 더 언급하겠습니다). 그러나 카라얀은 더 부풀어 오르는 느낌이 있고, 제셀은 더 건조합니다(그의 성향이기도 하며—제셀의 많은 녹음은 베이스가 가볍고 건조합니다).

 

스트라우스와는 달리, 스트라빈스키는 일반적으로 모든 것이 들리고 명확하게 표현되기를 원했습니다. 저는 스트라빈스키의 Les Noces에 대한 번스타인의 70년대 후반 DG 아날로그 녹음을 꺼냈습니다(어떤 유머가가 말했듯이 카를 오르프가 절대 쓴 적 없는 음악 중 가장 위대한 곡입니다). 이는 네 명의 솔리스트, 혼합 합창단, 네 개의 피아노, 타악기(팀파니, 베이스 드럼, 스네어 드럼, 앤티크 심벌즈, 차임, 심벌즈, 탬버린, 삼각형, 그리고 실로폰)로 구성된 러시아 농민 결혼식을 묘사하는 칸타타입니다. 이 녹음은 모든 면에서 놀라운 녹음이며, 특히 다이내믹 레인지와 악기 등록에서 그렇습니다. 네 개의 피아노가 격렬하게 리듬 패턴을 연주하는 동안, 솔리스트와 합창단이 사실상 텍스트를 낭독하며 타악기가 강하게 울려 퍼집니다. 이 작품은 녹음하기 어려운 곡입니다. 그러나 DG의 엔지니어들은 thrilling effect를 위해 정말로 훌륭한 성과를 보여주었고, 풍부한 세부 사항이 담겼습니다(베이스 드럼이 정말 인상적입니다)과 전반적인 감각을 해치지 않는 훌륭한 프레젠테이션을 보여줍니다. E3의 프레젠테이션도 놀랍도록 제어됩니다. 큰 타악기 소리가 나올 때, 주변의 모든 것을 순간적으로 압도하지 않습니다.

 

 

 

My standard test for detail and resolution as such is the “Moon River” cut on Jacintha’s Johnny Mercer album. Way back in the late nineties I was at the recording sessions here in Los Angeles when this track was laid down. She wanted to sing the introduction a cappella, a specialty of hers (she does the same with “Sweet Baby James”). To this end, she was isolated in a soundproof booth as the pianist/arranger played very soft chords transmitted through headphones to enable her to stay in tune. But every time a chord was sounded, it bled through her headphones and was picked up by the very sensitive microphones. Mind you, these chords are extremely, almost vanishingly low in level, so much so they completely vanish on many systems (including some very pricey ones I’ve heard) and they disappear on any system if the playback is low enough. All of my reference pickups will reproduce most and sometimes all of these, but the E3 is the only one that retrieves every last one of them at a volume level lower overall that what I typically need to use (I suspect Ortofon’s Anna Diamond did as well, but I reviewed it several years ago and no longer have it around, so I can’t be sure).

 

제 세부 사항과 해상도를 테스트하는 기준 곡은 자킨타의 Johnny Mercer 앨범에 수록된 "Moon River"입니다. 1990년대 후반, 저는 이 곡이 로스앤젤레스에서 녹음되는 세션에 참석했습니다. 그녀는 아카펠라로 소개 부분을 부르고 싶어 했는데, 이는 그녀의 특기 중 하나입니다(그녀는 "Sweet Baby James"에서도 같은 방식으로 부릅니다). 이를 위해 그녀는 방음 부스에 격리되어 있었고, 피아니스트이자 편곡자가 매우 부드러운 코드를 연주하며 헤드폰을 통해 그녀가 음조를 유지할 수 있도록 도와주었습니다. 그러나 코드가 울릴 때마다, 그것이 헤드폰을 통해 흘러나와 매우 민감한 마이크에 잡혔습니다. 이 코드들은 극도로 낮은 수준이어서, 많은 시스템(제가 들어본 비싼 시스템 포함)에서는 완전히 사라지고, 재생이 충분히 낮으면 어떤 시스템에서도 사라집니다. 제 모든 기준 픽업은 이 코드 대부분을, 때로는 모두 재생할 수 있지만, E3는 전반적으로 제가 일반적으로 사용하는 볼륨 수준보다 더 낮은 볼륨에서 모든 코드의 마지막 하나까지 복원할 수 있는 유일한 장비입니다(Ortofon의 Anna Diamond도 그랬던 것 같은데, 몇 년 전에 리뷰했으며 지금은 더 이상 가지고 있지 않아 확신할 수는 없습니다).

 

 

 

Common wisdom has it that all other things being equal elliptical styli reproduce transients less precisely than more advanced geometries like line-contact. Well, okay, but you couldn’t prove it by me when it comes to the E3. The panoply of percussion in Stravinsky’s Les Noces is loaded with transients the E3 reproduced with hair-raising impact and precision. Or try Impex’s astonishing Saturday Night in San Francisco, a live recording of the virtuoso guitarists Al DiMeola, John McLaughlin, and Paco De Luca playing separately and as a trio. When all three play together, they are placed left, right, and center but so much of the atmosphere of crowd and venue is caught they don’t sound isolated from one another. Meanwhile, the clarity, the articulation, the resolution, and the imperturbable control are such that you can easily focus on one or another guitarist as readily as you can draw back and listen to them as a trio.

 

일반적인 상식에 따르면, 모든 다른 조건이 같을 경우 타원형 스타일이 라인 접촉과 같은 더 발전된 기하학에 비해 과도한 신호를 덜 정밀하게 재현한다고 합니다. 음, 알겠지만, E3에 관해서는 저에게 그렇게 입증할 수는 없습니다. 스트라빈스키의 Les Noces에서의 타악기 배열은 과도한 신호로 가득 차 있으며, E3는 이를 소름 끼치는 임팩트와 정밀도로 재현합니다. 또는 Impex의 놀라운 Saturday Night in San Francisco를 시도해 보세요. 이 앨범은 비르투오소 기타리스트 알 디메올라, 존 맥러플린, 파코 드 루카가 개별적으로 그리고 트리오로 연주하는 라이브 녹음입니다. 세 명이 함께 연주할 때, 그들은 왼쪽, 오른쪽, 중앙에 배치되어 있지만, 관중과 장소의 분위기가 포착되어 서로 격리된 것처럼 들리지 않습니다. 한편, 명료함, 발음, 해상도, 그리고 동요하지 않는 제어는 이들이 트리오로 연주할 때 하나의 기타리스트에 쉽게 집중할 수 있을 만큼 뛰어납니다.

 

 

 

High-end audio is rife with the fallacy of arguing from effect back to cause, so while I can’t be absolutely sure it’s the considerably lower mass of the shading plates that accounts for the superior transparency and attack, it certainly stands to reason. Another, perhaps equally important, is that the absence of magnets means there’s no distortion from hysteresis, which, as I understand it, is the lag between when the signal reverses direction and the magnet in effect catches up to it—in other words, a timing error. Lack of same in the E3 is doubtless one reason why this set-up reproduces the Jim Keltner side of The Sheffield Drum Record better than I’ve ever heard before: peerless resolution and dynamic range, holographic imaging, and transient attack that sounds just right, with not a hint of bogus enhancement, ringing, hang-over, or lack of speed. It comes as close to real as I’ve ever heard it, then closer. I would draw particular attention to the way the venue is captured in this recording: what you hear is what was there, with absolutely no artificial reverb, not to mention the fact that this still sounds more authentically like a drum set and less like a recording of same than just about any other in my collection. Cymbals, high hat, wire brushes, bells, and so on are reproduced with quite breathtaking clarity, definition, delicacy, and resolution.

The E3 pickup and equalizer reproduce a three-dimensional soundstage, precision of imaging and movement within that stage, and a sense of space, air, atmosphere, and openness second to none in my experience and way better than most. Precise imaging and a continuous soundstage depend in part upon control, stability, and responsiveness to a lot of very low-level information. Right now what I regard as the best recording I know of a Broadway show, and one of the best of anything period, is John Wilson’s recent one of the complete Oklahoma! on Chandos vinyl. The precision of movement and position in this recording is uncannily realistic—you can perceive increments of a foot of space as regards depth, while the big ensemble numbers involving dancing and staging are tracked with very impressive assurance.  

The E3 combination opens up recordings in concert halls and larger spaces in all their vastness. Again, rendition of spaces, acoustics, ambience is consistently richer, larger, more characterful than I’m used to hearing. Boston Symphony Hall, where the great Steinberg/BSO Planets and Also Sprach Zarathustra were made (DG Original Source Series), is reproduced with what strikes me as a more persuasive suggestion of its size and acoustical character than I’ve heard from most other pickups. (Many people fault the Zarathustra for being over-reverberant: I agree there’s a lot, but it doesn’t sound to me artificial.)

One of the largest spaces on any recording I own was made in St. Mark’s Basilica, Venice, which has some of the most legendarily beautiful acoustics in the history of music. It was here that Columbia Records, spearheaded by E. Power Biggs, carried out its classic mid-sixties project of recording choral music by the great Viennese composer Giovanni Gabrieli, who wrote these pieces with this place in mind. The producer John McClure’s spectacular recording recalls Peter Walker's idea that a good recording and reproducing system should be "a window onto a concert hall". The copy I purchased way back in college became damaged and I never got around to replacing it. Recently I picked up another in the bargain bins of Santa Monica’s Records Surplus for the princely sum of 91¢. I took it home, ran it through my Degritter, and cued it up. More decades ago than I care to number I heard a choral group I was travelling with perform here. I’ve never forgotten that experience or the sound. Gabrieli wrote these pieces for two and three choruses spatially separated for antiphonal effects, plus for organ and brass. The almost limitless sense of space, air, and atmosphere of this magnificent basilica is gloriously reproduced in all its majestic splendor.

 

하이엔드 오디오에서는 효과에서 원인으로의 논증이 흔히 잘못되어 있으므로, 차폐판의 질량이 현저히 낮은 것이 탁월한 투명도와 타격감을 설명하는 것인지 절대 확신할 수는 없지만, 그럴 가능성이 충분히 있다고 생각합니다. 또 하나, 아마도 똑같이 중요한 점은 자석이 없기 때문에 히스테리시스에서 발생하는 왜곡이 없다는 것입니다. 히스테리시스는 신호가 방향을 바꾼 후 자석이 그에 따라 잡히는 지연을 의미하며, 즉 시간 오류입니다. E3에서 이러한 현상이 없다는 것은 The Sheffield Drum Record에서 짐 켈트너의 측면을 제가 들었던 것 중 최고로 재현하는 이유 중 하나일 것입니다. 그 음원은 비할 데 없는 해상도와 다이내믹 레인지, 홀로그램 같은 이미징, 그리고 적절한 타격감을 제공하며, 가짜 향상, 울림, 잔향, 또는 속도 부족이 전혀 없습니다. 제가 들었던 것 중 가장 실제와 가깝게 재현되며, 더욱 가까워졌습니다. 이 녹음에서 장소가 포착되는 방식에 특히 주목하고 싶습니다. 들리는 것은 실제로 거기에 있었던 소리이며, 인공 리버브가 전혀 없고, 이 드럼 세트의 녹음보다 더 진정한 드럼 세트 소리처럼 들리는 것은 제 컬렉션 중 거의 없습니다. 심벌즈, 하이햇, 와이어 브러시, 벨 등은 숨막히는 선명도, 정의, 섬세함, 해상도로 재현됩니다.

 

E3 픽업과 이퀄라이저는 3차원적인 사운드스테이지, 그 안에서의 이미지와 움직임의 정확성, 공간, 공기, 분위기, 개방감이 저의 경험에서 타의 추종을 불허하며 대부분의 장비보다 훨씬 우수합니다. 정확한 이미징과 연속적인 사운드스테이지는 많은 매우 저수준 정보를 제어하고 안정적이며 반응성이 뛰어나야 합니다. 현재 제가 아는 브로드웨이 쇼의 가장 좋은 녹음 중 하나이자 모든 음반 중 가장 좋은 것 중 하나는 존 윌슨의 최근 완전한 *Oklahoma!*를 챈도스 비닐로 녹음한 것입니다. 이 녹음에서의 움직임과 위치의 정확성은 섬뜩할 정도로 사실적이며, 깊이와 관련하여 1피트의 공간 단위가 인식될 수 있습니다. 대규모 앙상블 숫자에서는 댄스와 무대가 매우 인상적으로 추적됩니다.

 

E3 조합은 모든 광활함에서 콘서트 홀 및 더 큰 공간의 녹음을 열어줍니다. 다시 말해, 공간, 음향, 분위기의 재현은 제가 듣는 것보다 더 풍부하고 크며 개성이 넘칩니다. 보스턴 심포니 홀이 바로크 음악의 대가인 스타인버그와 BSO가 녹음한 Planets와 Also Sprach Zarathustra가 만들어진 장소로, 대부분의 다른 픽업보다 더 설득력 있게 그 크기와 음향적 특성을 재현한다고 생각합니다. (많은 사람들이 Zarathustra가 너무 울림이 강하다고 비판하는데, 저도 많은 부분에 동의하지만, 저에게는 인위적으로 들리지 않습니다.)

 

제가 가진 녹음 중 가장 큰 공간 중 하나는 베네치아의 산 마르코 대성당에서 녹음되었으며, 이곳은 음악 역사상 가장 전설적인 아름다운 음향을 자랑합니다. 여기서 컬럼비아 레코드가 E. 파워 빅스의 주도 아래 1960년대 중반의 합창 음악 녹음 프로젝트를 수행하였고, 이 곡들은 바로 이 장소를 염두에 두고 작곡된 대가 비엔나 작곡가 조반니 가브리엘리에 의해 작성되었습니다. 프로듀서인 존 맥클루어의 놀라운 녹음은 좋은 녹음 및 재생 시스템이 "콘서트 홀로 가는 창"이어야 한다는 피터 워커의 아이디어를 떠올리게 합니다. 제가 대학 시절 구매한 복사본이 손상되어 다시 구매하지 않았습니다. 최근에 산타모니카의 레코드 서플러스의 할인 코너에서 91센트라는 아주 저렴한 가격에 또 다른 복사본을 구입했습니다. 집에 가져가서 디그리터를 통해 소리 조정한 후 재생했습니다. 몇 십 년 전, 제가 여행 중인 합창단이 여기서 공연하는 것을 들었던 기억이 납니다. 그 경험과 소리를 잊지 못했습니다. 가브리엘리는 이 곡들을 반대 효과를 위해 공간적으로 분리된 두 개와 세 개의 합창단과 오르간 및 금관악기를 위해 작곡했습니다. 이 장엄한 대성당의 거의 무한한 공간, 공기 및 분위기 감각이 그 장엄한 웅장함 속에서 화려하게 재현됩니다.

 

 

 

Regular readers of mine will be aware I’ve not yet discussed tonal balance, which I regard as one of the most important parameters of audio performance. While the E3 falls within the bounds of what I call “acceptable neutrality” throughout most of its range, there are anomalies at the extreme bottom and up high. This pickup probes deeper into the grooves and excavates bass with truly impressive detail, clarity, and strength. But, as I perhaps intimated earlier, is it too much? With most music most of the time, not for me. For one thing, we are talking about only the bottom octave to octave-and-a-third of range, so you don’t have to worry about any sort of mid- and upper-bass bloat and boom. For another, it provides a welcome weight and foundation that sounds entirely right and natural. On the great Steinberg Zarathustra—one of the relatively rare recordings of this piece in which the organ’s 32-Hz fundamental is actually on the recording (another is the spectacular Decca conducted by Zubin Mehta in Los Angeles)—the opening pedal point is cleanly present and powerful in a way that rivals the best high-resolution digital. Likewise the double basses in the superb Stokowski Rhapsodies (RCA), one of his most exciting recordings, positively thrilling in reach, depth, and sheer force.   

 

저의 정기 독자들은 제가 음향 성능의 가장 중요한 매개변수 중 하나로 여기는 음색 균형에 대해 아직 논의하지 않았음을 알고 있을 것입니다. E3는 대부분의 범위에서 제가 "허용 가능한 중립성"이라고 부르는 경계 내에 있지만, 극단적인 저음과 고음에서 이상 현상이 있습니다. 이 픽업은 음의 그루브를 더 깊게 탐구하고 진정으로 인상적인 세부사항, 선명도, 힘으로 베이스를 파내어냅니다. 하지만, 제가 아마도 이전에 암시했던 것처럼, 이게 너무 많을까요? 대부분의 음악에서는 그렇지 않습니다. 한 가지는, 우리가 이야기하는 것은 바닥 옥타브에서 옥타브-한 셋의 범위에 불과하므로 중음과 상음의 부풀음과 울림에 대해 걱정할 필요가 없습니다. 또 다른 점은, 이 음향이 완전히 올바르고 자연스럽게 들리는 환영할만한 무게와 기초를 제공한다는 것입니다. 훌륭한 스타인버그의 Zarathustra에서는 이 곡의 상대적으로 드문 녹음 중 하나로, 오르간의 32Hz 기초 주파수가 실제로 녹음된 경우입니다 (또 다른 예로는 로스앤젤레스에서 주빈 메타가 지휘한 경이로운 데카 녹음이 있습니다) — 오프닝 페달 포인트가 깨끗하게 존재하며 강력하게 재현되어 최고의 고해상도 디지털 음원에 버금가는 방식으로 나타납니다. 마찬가지로, 그의 가장 흥미진진한 녹음 중 하나인 스토코프스키의 Rhapsodies (RCA)에서 더블베이스는 그 깊이와 힘으로 극도로 짜릿하게 들립니다.

 

 

 

But the occasional recording does come along from time to time where the response is a little too much. Ray Brown’s Soular Energy is one such. If you compare the Pure Audiophile remastering (the one on blue vinyl) to the Groove Note SACD, assuming the latter was remastered without any tonal intervention and thus is faithful to the master tape, as I am assured it is, then the E3’s response is definitely tipped up way down there. DS’s solution is output 2 on the E3 equalizer, with its 50Hz double-filtering. This is one reason why the company provides a choice of filtered outputs (on the more expensive equalizers, the choices are even greater): while the amplitude responsiveness doesn’t need the extreme RIAA compensation for the lower levels of velocity-driven setups, it appears to require some from time to time.

Another reason I like position 1 should be obvious: it works very well in my system, as I suspect it will in most systems that don’t have bass response flat down into the last half octave. My Harbeth Monitor 40.3XD loudspeakers, for example, specifies flat response +/-3dB down to 35 Hz. With the usual boundary reinforcement, that -3dB extends down a few more cycles before it begins to drop rather precipitously. This is more than enough for almost everything in the standard orchestral, jazz, and even rock repertoire. The E3’s slight boost at the very bottom makes for a very pleasing synergy with my Harbeths, as my previous remarks about the opening of the Steinberg Zarathustra suggests. Somewhere in its literature I seem to recall the folks at DS Audio suggesting that position 1 may excite the tuning of some bass reflex systems too much. There is no such issue with the Harbeths. But if there were, the solution is to switch to position 2 with its higher threshold-frequency.

As for the top end, you’ll recall Harry Pearson’s Yin/Yang opposition, Yin being the warm, mellow dark, Yang being the bright, brilliant light.  Obviously these metaphors are to be taken as suggestive rather than definitive. The E3 leans decisively toward the Yang. The first music I turn to when beginning to evaluate tonal balance consists in anything string dominated, beginning with violins. During a couple of sessions I was joined by a close friend who’s a professional violinist and also a serious audiophile. He was very satisfied with the sound of violins on some of his favorite LPs, including a lovely EMI recording of Beethoven’s E-flat sonata for violin and piano (number three) and Brahms’s in D-Minor (also the third). I never heard Oistrakh live, but what I hear on this recording—and what my friend hears—is what I’ve read about all his richness, fullness, and security of tone, not to mention his variety of weight, vibrato, and touch. For the Beethoven, the tone is a leaner, the vibrato far more chastely applied (but still applied—pace HIP fanatics); flip to the Brahms and you might think you’re hearing a different violinist, so carefully has he adjusted from the aesthetics of Beethoven to those of Brahms: richer tone, wider vibrato, more flexible manipulation of phrase and tempo, more robust over all approach and realization.

Recordings by Heifetz, Oistrakh, Milstein, and Stern were also used, as well as many recordings of string quartets (the Budapest on Columbia, the Vegh on Valois, the Alban Berg’s fabulous complete Beethoven cycle on 16-LPs from Warner) and string orchestras, beginning with the ravishing EMI recording of Vaughan-Williams’s Fantasy on a Theme of Thomas Tallis by Barbirolli and the Sinfonia of London. Likewise, Bernstein’s fantastic version of Beethoven’s Opus 131 with the full string complement of the Vienna Philharmonic (DG, vinyl—one of my desert island discs) is reproduced magnificently and with extraordinary detail that allows us to hear deep into the recording (including intakes of breath from the conductor himself).

Where the E3’s brightness shows itself most is on recordings that are already either very closely miked and/or have a rising top end for other reasons. This requires some talk. I’ve seen published measurements that show the top end rise as a pretty steep +6dB around the topmost octave and a third. But to my ears, it doesn’t sound anywhere near this steep, which puzzles me. Perhaps the explanation is that the E3 is so clean and low in perceived distortion that I find this tonal anomaly both easier to enjoy than with pickups that overall are less well behaved or are not capable of quite this transparency and clarity. Violins, for example, have just a bit of extra brilliance, but mostly only when the recording leans that way.

The Sinatra/May album is an extremely hot recording that on many systems, in particular those with rising top ends either in the phono part of the system or the loudspeakers themselves, and the brass sounds not just bright but positively edgy. I expected the same from the E3 and met with a surprise: it was bright but not at all edgy, neither unpleasant nor irritating, and in fact, I enjoyed it with great pleasure. Another explanation might be the incredibly low noise. Raise the volume to its maximum and you hear absolutely no trace of hum; normal and far louder levels result in some of the quietest, if not the backgrounds I’ve ever experienced from phono reproduction.

 

그러나 때때로 응답이 약간 지나친 녹음이 등장하는 경우가 있습니다. 레이 브라운의 Soular Energy가 그 중 하나입니다. 퓨어 오디오파일의 리마스터링(파란색 비닐로 된 버전)과 그루브 노트 SACD를 비교해 보세요. 후자가 어떤 음색 개입 없이 리마스터링되었고 마스터 테이프에 충실하다고 보장받았다면, E3의 응답은 분명히 저음이 많이 올라가 있습니다. DS의 해결책은 E3 이퀄라이저의 출력 2로, 50Hz 이중 필터링이 적용되어 있습니다. 이 때문에 회사는 필터링된 출력을 선택할 수 있는 기능을 제공합니다(더 비싼 이퀄라이저에서는 선택지가 더 많습니다): 진폭 응답은 속도 기반 설정의 낮은 수준에 대해 극단적인 RIAA 보정이 필요하지 않지만, 때때로 그런 보정이 필요해 보입니다.

 

제가 1번 출력을 좋아하는 또 다른 이유는 분명할 것입니다: 이 설정이 제 시스템에서 매우 잘 작동하며, 대부분의 시스템에서도 잘 작동할 것이라고 의심합니다. 예를 들어, 제 Harbeth Monitor 40.3XD 스피커는 35Hz까지 ±3dB의 평탄한 응답을 명시하고 있습니다. 일반적인 경계 강화로 인해 이 -3dB는 몇 주파수 더 낮아지기 전에 상당히 급격하게 하락하기 시작합니다. 이는 거의 모든 표준 오케스트라, 재즈, 심지어 록 레퍼토리에 충분합니다. E3의 아주 낮은 부분에서의 약간의 부스트는 Harbeths와 매우 기분 좋은 시너지를 만들어내며, 이는 제가 스타인버그의 Zarathustra의 오프닝에 대해 언급했던 바와 같습니다. DS 오디오의 문헌 어디선가 1번 위치가 일부 베이스 리플렉스 시스템의 조율을 너무 많이 자극할 수 있다고 제안한 것 같은 기억이 납니다. 하지만 Harbeths에서는 그런 문제가 없습니다. 만약 그랬다면, 더 높은 임계 주파수가 적용된 2번 위치로 전환하는 것이 해결책입니다.

 

고음에 대해서는, 해리 피어슨의 음양 반대 개념을 기억할 것입니다. 음은 따뜻하고 부드러운 어둠, 양은 밝고 눈부신 빛입니다. 분명 이러한 은유는 결정적인 것이 아니라 암시적인 것으로 받아들여져야 합니다. E3는 확실히 양 쪽으로 기울어져 있습니다. 음색 균형을 평가할 때 처음으로 찾는 음악은 항상 현악기가 주가 되는 음악, 특히 바이올린으로 시작합니다. 몇 차례 세션 동안, 저는 전문 바이올리니스트이자 진지한 오디오파일인 가까운 친구와 함께 했습니다. 그는 EMI에서 발매한 베토벤의 E-flat 소나타 (번호 3)와 브람스의 D단조 소나타 (역시 3번)와 같은 그의 좋아하는 LP에서 바이올린의 소리에 매우 만족했습니다. 저는 오이스트라흐를 라이브로 들어본 적이 없지만, 이 녹음에서 제가 듣는 것—그리고 제 친구가 듣는 것—은 그가 가진 풍부함, 완전함, 안정감, 다양한 무게, 비브라토, 터치와 관련된 것입니다. 베토벤의 경우, 음색은 더 가벼우며 비브라토는 훨씬 더 얌전하게 적용되었습니다(하지만 여전히 적용되었습니다—HIP 매니아들에 대한 언급입니다); 브람스로 바꾸면 그가 베토벤의 미학에서 브람스의 미학으로 얼마나 세심하게 조정했는지 느낄 수 있을 정도로 완전히 다른 바이올리니스트를 듣고 있다고 생각할 수 있습니다: 더 풍부한 음색, 넓은 비브라토, 구절과 템포의 더 유연한 조작, 전반적으로 더 강력한 접근 방식과 실현입니다.

 

헤이페츠, 오이스트라흐, 밀스타인, 스턴의 녹음과 함께 현악 4중주 녹음도 많이 사용되었습니다(컬럼비아의 부다페스트, 발루아의 베흐, 알반 베르크의 놀라운 베토벤 전집 16LP 등). 또한, 바르비롤리와 런던 심포니가 연주한 보안가의 톰마스 탈리스의 주제에 대한 환상곡의 EMI 녹음과, 베를리오즈의 Opus 131을 비엔나 필하모닉의 전현악단과 함께 연주한 번스타인의 환상적인 버전(DG, 비닐—제 사막 섬 디스크 중 하나)도 놀랍도록 재현되며, 뛰어난 세부 정보로 우리가 녹음 깊숙이 들여다볼 수 있게 해줍니다(지휘자의 숨소리까지 포함).

 

E3의 밝기가 가장 두드러지게 나타나는 것은 이미 매우 밀접하게 마이크로폰을 배치했거나 다른 이유로 인해 고음이 상승한 녹음입니다. 이 점에 대해 좀 더 이야기해보겠습니다. 저는 상단 옥타브와 그 옆의 옥타브에서 +6dB의 상당한 상승을 보여주는 측정값을 본 적이 있습니다. 그러나 제 귀에는 그 상승이 그렇게 급격하게 들리지 않는데, 이는 저를 당황스럽게 합니다. 아마도 E3가 매우 깨끗하고 지각되는 왜곡이 낮기 때문에 이 음색 이상이 다른 픽업보다 더 즐기기 쉽다는 것이 설명이 될 수 있습니다. 예를 들어, 바이올린은 약간의 추가적인 밝기가 있지만, 주로 녹음이 그쪽으로 기울어져 있을 때만 나타납니다.

 

시나트라/메이 앨범은 매우 뜨거운 녹음으로, 많은 시스템에서 특히 시스템의 포노 부분이나 스피커 자체에서 고음이 상승하는 경우, 금관악기는 밝게 들릴 뿐만 아니라 긍정적으로 거슬리기까지 합니다. 저는 E3에서도 같은 현상을 예상했지만 놀라운 결과를 만났습니다: 밝지만 전혀 거슬리지 않았고, 불쾌하거나 짜증나지 않았으며, 사실, 매우 즐겁게 들었습니다. 또 다른 설명은 믿을 수 없을 정도로 낮은 노이즈일 수도 있습니다. 볼륨을 최대한 올려도 허밍 소리는 전혀 들리지 않으며, 정상적이고 훨씬 더 큰 레벨에서도 제가 경험한 가장 조용한, 아니면 포노 재생에서 가장 조용한 배경 중 일부를 만들어 냅니다.

 

 

 

 

One thing more before wrapping up. By comparison to my favorite moving coils and moving magnets, the E3’s presentation is fractionally lacking in a certain impression of body, density, and color. I find this a bit difficult to nail down, so perhaps a comparison will help. I am a great fan of electrostatic speakers, which have been references of mine  for over five decades, notably most models of Quad ESLs, some Acoustats (how’s that for dating me?), and Roger West’s SoundLabs. Yet I am far from alone in finding that one of the main areas where electrostatics yield ground to dynamic speakers, including, paramountly many horns, is precisely along these lines. Superior as the E3 is in several ways to my favorite moving coils and moving magnets, it does not exhibit quite the same degree of what for want of a better metaphor I’d call a certain “meatiness” in the presentation.

But this is only to say that like everything else in audio, it's not perfect. So that this is not misunderstood, I’m by no means suggesting the E3 is deficient in this characteristic, merely that it doesn’t possess it to the degree that other kinds of pickups do (vintage Denons and Ortofons, for example). And despite the slight rise at the bottom end, the tonal balance is by no means warm. And so that this is not misunderstood, I am not suggesting the E3 is cool, let alone cold. On the contrary, the warmth that is on your recordings it will reproduce as warmth—remember that Oistrakh Brahms—but it won’t add any of its own. Among the last things I played before wrapping up this review were John Coltrane’s Lush Life (Prestige OFC reissue), a beautiful sound that came alive in the room with all the warmth and dimensionality you could ask for, and Ben and Sweets (ORG reissue), where Webster’s rich, ripe tenor saxophone was present in all its fat, voluptuous glory.

 

마무리하기 전에 한 가지 더 말씀드리고 싶습니다. 제가 좋아하는 이동 코일과 이동 자석에 비해 E3의 프레젠테이션은 몸체, 밀도 및 색감에서 약간 부족한 인상을 줍니다. 이것을 명확히 파악하기는 다소 어렵지만, 비교가 도움이 될 수 있습니다. 저는 전자기 스피커의 열렬한 팬이며, 지난 50년 이상 제 기준이 되어온 모델들로는 주로 퀘드 ESL, 몇몇 아쿠스탯스(제 나이를 나타내는 단서죠)와 로저 웨스트의 사운드랩이 있습니다. 그러나 전자기 스피커가 다이내믹 스피커, 특히 많은 혼 스피커에 비해 밀도와 질감에서 뒤지는 주요 영역 중 하나라고 느끼는 것은 저 혼자만의 생각이 아닙니다. E3가 제 좋아하는 이동 코일과 이동 자석보다 여러 면에서 우수하지만, "육중함"이라는 비유로 설명할 수 있는 표현에서 약간 부족하다는 점은 아쉽습니다.

 

하지만 이는 오디오의 모든 것처럼 완벽하지 않다는 것을 의미합니다. 이 점이 오해되지 않기를 바랍니다. E3가 이 특성에서 결핍되어 있다고 주장하는 것이 결코 아닙니다. 단지 다른 종류의 픽업(예: 빈티지 데논이나 오르토폰)보다 이 특성을 덜 가지고 있다는 것입니다. 그리고 약간의 저음 상승에도 불구하고, 음색 균형이 결코 따뜻하지는 않습니다. 이 점이 오해되지 않기를 바랍니다. E3가 차갑거나 심지어 냉정하다고 주장하는 것이 아닙니다. 반대로, 녹음에서 느껴지는 따뜻함을 그대로 재현할 것입니다—오이스트라흐의 브람스를 기억하세요—하지만 그 자체의 따뜻함을 추가하지는 않을 것입니다. 이 리뷰를 마무리하기 전에 마지막으로 재생한 것 중에는 존 콜트레인의 Lush Life (프레스티지 OFC 리이슈)가 있습니다. 이 앨범은 방 안에서 따뜻함과 차원이 느껴지는 아름다운 소리로 생생하게 살아났고, 벤과 스윗스(ORG 리이슈)에서는 웨버스터의 풍부하고 탐스러운 테너 색소폰이 모든 풍성한 아름다움으로 존재했습니다.

 

 

Conclusion

DS Audio has an equalizer priced to match each pickup model in the line, but in fact any DS cartridge, from the flagship Grand Master Extreme to the least expensive, currently the one under review here, can be used with any DS equalizer and vice-versa. The consensus among colleagues of mine who’ve had the advantage of reviewing the more expensive models seems to be that if you have to economize, you get better performance mating the upper-end pickups with the lower-priced equalizers than the other way round. As a point of reference, the top-of-the-line Grand Master Extreme is $22,500, the associated equalizer $45,000 for a breathtaking $67,500 total (even without the equalizer, I think this makes the Extreme the most expensive phono pickup in the world right now). By contrast, the E3 pickup and E3 equalizer are $1375 each, for a total of $2750. By the normal standards of most people who are not audiophiles, this is pretty expensive. But in high-end audio, it almost qualifies as modest, and it’s an even better value when you consider that no phono preamp or phono stage as such is required.

The E3 phono pickup is a reference-caliber component. The areas in which it excels, even when it is not by much, it does so at a level that advances the state of the art, while there is no area in which it is less than very good to excellent. If you’re in the market for a new phono pickup anywhere near the price of this combination, I urge an audition. I‘ve been using it almost nonstop for over four months now and have not tired of it. It is a great cartridge and now one of my principal references for what is possible in the ever-developing and renewing world of analog and vinyl.

 

DS Audio는 각 픽업 모델에 맞는 가격의 이퀄라이저를 제공하지만, 실제로는 모든 DS 카트리지(플래그십 모델인 그랜드 마스터 익스트림부터 현재 리뷰 중인 가장 저렴한 모델까지)와 모든 DS 이퀄라이저를 서로 사용할 수 있습니다. 제가 더 비싼 모델들을 리뷰할 기회를 가졌던 동료들 사이의 합의에 따르면, 예산을 절약해야 할 경우, 고급 픽업을 저렴한 이퀄라이저와 연결했을 때 더 나은 성능을 얻을 수 있다고 합니다. 참고로, 최상급 그랜드 마스터 익스트림은 22,500달러이고, 관련 이퀄라이저는 45,000달러로, 총 67,500달러에 이릅니다(이퀄라이저 없이도, 저는 이 익스트림이 현재 세계에서 가장 비싼 포노 픽업이라고 생각합니다). 대조적으로, E3 픽업과 E3 이퀄라이저는 각각 1,375달러로, 총 2,750달러입니다. 일반적인 오디오파일이 아닌 대부분의 사람들 기준으로는 꽤 비쌉니다. 하지만 하이엔드 오디오에서는 거의 겸손한 가격에 해당하며, 포노 프리앰프나 포노 스테이지가 필요 없다는 점을 고려하면 더 좋은 가치를 제공합니다.

 

E3 포노 픽업은 레퍼런스급 구성 요소입니다. 그것이 뛰어난 부분은 많지 않더라도 그 수준은 최첨단 기술을 진전시키며, 어떤 분야에서도 매우 좋거나 뛰어나지 않은 부분은 없습니다. 이 조합의 가격에 근접한 새로운 포노 픽업을 찾고 계시다면, 청음을 권장합니다. 저는 지난 4개월 이상 거의 nonstop으로 사용해왔고, 여전히 싫증이 나지 않습니다. 이는 훌륭한 카트리지이며 아날로그와 비닐의 지속적으로 발전하고 새롭게 되는 세계에서 가능한 것에 대한 제 주요 레퍼런스 중 하나가 되었습니다.

 

 

Specifications

E3 Optical Cartridge

Signal output: Photoelectric Conversion

Channel separation: 26db more (1kHz)

Weight: 7.7 grams

Output: 70mV more

Cantilever: Aluminum

Body material: Aluminum

Tracking weight: 2.0g~2.2g(2.1g is recommended)

Stylus: Elliptical

Price: $1375

 

E3 Phono Equalizer

Output voltage 500mV (1kHz) at equalilzer output

Input: RCA

Output: RCA

Size: 260W x 69H X 195D (mm)

Weight: 1.86 kg

Price: $1375